Lo han conseguido. Así resumiría el “Raincoat” de Thee Brandy Hips. Un disco del que presentamos un 1×1, un track by track, que es todo un honor poder hacer. Justo cuando este viernes los podremos ver en el OWNW vs DR en el PopBar de RazzClubs. Antes explicaremos que nos parece, ya que llevamos comentándolo en 140 caracteres desde hace casi un mes. Thee Brandy Hips son un grupo que ha luchado este álbum. Nuestra relación con ellos se remonta a 2009, un inicio que ya comentamos cuando los confirmaron para el Primavera Club 2010. Desde entonces que los tenemos marcados, pero ha sido en Twitter donde hemos podido seguir de cerca su evolución y esa consecución. Donostia no es Barcelona. Es algo que quería destacar. Es una banda  muy ligada al 2.0, que ha sabido sacar provecho a ello y que han aprendido a darle un buen uso. Han hecho encuestas a mano alzada de si preferíamos vinilos o cedes (y han sacado tiradas limitadas de ambos formatos), o anunciado los pasos del disco, así como que entraban a grabar en El Tigre de Bilbao con  Jon Aguirrezabalaga y mezclado por Xabier Egia de We Are Standard… Un día a día que gusta leer y no empalaga. Todo esto siguiendo firmes en la independencia. Sin agencia de management y con sello propio, sin padrinos que les busquen bautizos, ellos solos se manejan cada “bolo”, la promoción y se autogestionan las ganancias. Y hasta hoy, congregando poco a poco una notable minoría que les siguen y esparcen la voz. Caen simpáticos y son auténticos.

Y todo está muy bien, pero si cuando el disco sale a rodar, no marcan, puedes quedar escondido en la mediatabla sin más. Quizás es donde estaban con el “We Are Love” (2009), un EP que no terminaba de despegar a pesar de buenos temas como “V Empire”, muy radiada en iCat FM, o la bonita balada “Mr. Thinman“. Podría seguir con el símil futbolístico, pues ahora están con el puesto UEFA más que asegurado y ya mirando a Champions seriamente. Este “Raincoat”  arranca por el camino fácil. La vía directa, con “Kosmikar“, con ritmo nervioso, riff’s juguetones, pero es que le sigue “Cynisim“, de los temas más celebrados de lo que va de año y lo será a lo largo. Trepidante. Sin pausa, pegadiza y todo eufória. Y no ha terminado que el rasgueo acústico de “Nerves” ya te ha enamorado. Otra vez ese teclado a lo lejos, y la vitalidad no dejando respiro. The Shins. Tras el inicio que marcan estas tres, llega la parte más elaborada con “In My Room” y “Dissolve Your Love Into Water“. Desarrollo lento, pausado, saboreando la subida hasta el estallido, muy marcado en “In My Room” y más sútil en “Dissolve..” donde me viene a la cabeza Best Coast. Con “Shoegazing” consiguen un broche de oro a esta parte del disco, dejando claro que si quieren ponerse a experimentar y sobreponer capas, también van sobrados. No solo de la inmediatez vive el Brandy Hip. El título de la canción sirve para entender la ironía y la autoparodia que gastan, nombrando así: “Shoegazing”, una canción en la que el ruido atronador es el objetivo que van persiguiendo en los 5 minutos hasta lograrlo al final. Vuelve entonces el desparpajo y la vitalidad, los saltitos, el deje garajero, y los riffs divertidos: “Wayne”, las “parapapas” de “Overexposed” y “Boxing Day“. Todo color, alegría y fuerza, siempre con esa voz tan particular de Asier, que termina siendo un de los toques más personales y distintivos del grupo. Sin darte cuenta, el disco llega a la parte final. “Indian Summer” y “Ice Cream Ballad“, dos temas en los que solo visualizo a Vampire Weekend asintiendo con conformidad. Percusión de Alex sutilmente africana en ambos temas, y punteos destellando frescura. “Ice cream ballad” es una explosión que para cerrar un disco (y un concierto) resulta infalible. La producción del disco es impecable a lo largo de los 40 minutos y los 11 temas se escuchan de una tirada, manteniendo cierto aire lo-fi, pero sin recargar ni usándolo para enmascarar carencias, suena de mil maravillas. Los clásicos añejos quedan lejos del sonido del quinteto Thee Brandy Hips, más cercano a influencias recientes, un proceso natural. Los géneros se reinventan y así es como suena el POP en los 2010′. Lo han conseguido, joder si lo han conseguido.

Ahora cedemos el turno a ellos. La mayoría escrito por Asier (voz, guitarra) y retoques de Alejandro (batería). Ha quedado muy, muy, muy interesante. Anécdotas, nombres de grupos (¡coincidimos en algunos de los ya nombrados!), discordancias, cambios de última hora… todo lo que se te ocurriría preguntar, aquí lo lees. Qué orgullo contar con esto. Allá va. Esperamos que os guste tanto como a nosotros. Aprovechamos para darles las más sinceras gracias. Y ahora ya sí, tras el salto a gozar:

1-.Kosmikar: Habla de enamorarse en un parque de atracciones,de esas cosas que no pasan ya, esos clichés que ya no sé cumplen en tiempos de los hijos tróspidos, así que en cierta forma es una canción escapista al hilo de “I wasn’t made for these times” de los Beach Boys. Además, esta canción nació en el momento de mayor crisis durante los meses que estuvimos componiendo, muy cansados y todo el rato al borde de la discusión definitiva. Al principio apestaba a Vampire Weekend, así que hubo que darle un buen meneo. La estructura es más rara de lo que parece, y Jon se curró un buen muro spectoriano de guitarras en los puentes.

2-.Cynicism: En Cynicism buscamos hacer pop sin muchos aditivos, sobre todo sin edulcorantes. A mi me recuerda a los Posies o a despertarse para ir a mear una noche de mucho frío. Como en otras muchas, la pelea a la hora de la mezcla fue cuánto esconder la voz. Al principio la queríamos aún más sucia, pero Jon y Xabi nos camelaron bien. Álex, a posteriori, insiste mucho en que le suena a los Guided By Voices del hifi. La letra es algo así como sociopolítica.

3.- Nerves: Es un pequeño homenaje a la banda de Paul Collins, más que nada porque el riff es muy escuela Nerves. Iñaki le añadió una acústica chula y Jon nos propuso utilizar el surf-piscodélico (que antes estaba en el medio, partiendo la canción, muy al estilo Brandy circa We Are Love) de outro, nos gustó y así se quedo.

4-.In my room: Habla de quedarse en casa, un poco a lo hikikomori. Personalmente siempre me ha gustado pasar mucho tiempo en mi cuarto cultivando moho y viendo crecer las pelusas de la moqueta. Es de las más antiguas, y ya la tocábamos a mediados de 2010, junto a Nerves, Ice Cream Ballad y una que al final descartamos. Cuando escuchamos el último de los Feelies flipamos porque la canción que lo abre se parecía bastante a aquel descarte nuestro. En guitarras y teclados la canción tira bastante al shoegaze, el patrón de batería es prácticamente soul y la voz es muy popera, así que el resultado es muy raro. Está a huevo para una remezcla a lo Stereolab. Ahí lo dejamos.

5-.Dissolve your love in water: Está canción nos trajo de cabeza, fue de las primeras que empezamos y la última en resolver. Es un intento de canción honesta de desamor que sé queda en casqueta, pero casqueta 50s que siempre mola más. El giro 50s es sobre todo cosa de Jon, que vio muy clara la estructura y le bajó rpm y el tono a la voz. Os recomiendo la lista de Spotify Be My Baby, con un montón de canciones que empiezan como la canción de las Ronettes. El asunto es que es un ritmo muy guapo (claro) pero que condiciona mucho la evolución de la canción, al menos en nuestro caso. Jon tiró por la vía más sencilla, y acertó.

6-.Shoegazing: Habla de la vergüenza y cosas un poco emos. Supongo que a día de hoy no escribiría nada así pero en realidad me gusta mucho la canción. La broma del título ha quedado un poco pobre, pero es que es más o menos literal: mirarse los zapatos de la vergüenza. Hasta el momento nadie los ha citado, pero esto de mantener la batería y la tensión en mínimos es muy Yo La Tengo.

7-.Wayne: Aquí quisimos hacer una canción a lo Australia de The Shins pero muy destrozada. Creo que es el corte más corto y directo que hemos hecho. Jon tenía en mente el King of the Beach de los Wavves para la producción, pero esta es más saltarina, así que quizá sea más referente el In the Aeroplane over the Sea. Estaría guay rescatar la maqueta primera, porque era indie-pop de manual.

8-.Overexposed: Creo que cuando la hicimos andábamos flipadetes escuchando Of Montreal, y el puente y el estribillo van por esa línea de grupos Elephant 6 o, por citar las palabras que solíamos usar en el estudio, “pop preciosista”. Hice una versión previa que sonaba a Paul Simon harto de vino y entre todos la arreglamos para que fuese socialmente aceptable.

9-.Boxing Day: Mi favorita del disco. Me gusta mucho el riff de guitarra y la salida del estribillo. Deu hizo unos coros muy chulos para el estribillo después de dos meses dándole el coñazo (¡gracias!). Habla un poco de ser joven y díscolo, pero hablamos de oídas,nosotros somos de acostamos después del teleberri. Esta y Kosmikar son prácticamente las dos últimas canciones que hicimos, y hubo un punto de sacarlas por cojones, más o menos entre todos. Llama la atención que sean tan felices, estando tan quemados como estábamos para entonces.

10-.Indian Summer: Bueno, toda la canción sale de una idea de Carlos y Aritz llamada “Nananana in the jungle”. Eran dos minutos de ruidos de animales y coros dudosos (Aunque Charly clava la zarigüeya) Al final los coros pasaron ser el riff e hice una letra sobre una broma privada sin demasiada gracia. La canción quería copiar el rollo del “Good old days” de The Lodger, pero como siempre cogimos el desvío de la distorsión y se ha quedado a medio camino, a huevo para que alguien la remezcle rollo disco.

11-.Ice Cream Ballad: Lo más interesante de esta canción para nosotros era romper el típico patrón tropicaleo que funciona solo y hacer algo inesperado. De ahí el puente y la salida de la canción, algo así como a lo Dinosaur Jr., porque, por lo demás, no deja de ser una melodía pop. Decía Jarvis Cocker que se obsesionaba con las chicas fácilmente pero que por suerte se le pasaba en un par de días. La canción habla un poco de eso de esos miniromances de dos paradas de autobús o de 4 días en el cine. De lo fácil que se enchocha uno en estos tiempos y lo poco que cuesta pasar todo ello. ¡Odio eterno al amor posmoderno!

Para verlo en directo: este viernes en el Pop Bar de RazzClubs. ¡A partir de las 00:30h!

Antes de empezar este No Indie quiero dejar claro, por si había alguna sospecha, que no tengo nada que ver con el “No Indie” que se ha marcado el Festival Internacional de Benicássim (FIB) con la contratación de David Guetta para este verano. De todas formas, aplaudo la iniciativa de introducir nombres alejados de la escena independiente, como ya hicieron el año pasado con Julieta Venegas, o en 2007 con el cantante que ocupa este post, el gran (enorme, gigante) Kiko Veneno. Y la aplaudo siempre y cuando la calidad del artista se acerque más a la del músico de Figueres que a la del DJ francés (o a la de Noel Gallagher).

Explicaciones aparte, hoy me dispongo a hablar de uno de los músicos más importantes de nuestro país y del primer disco que le llevó a alcanzar la merecida popularidad que tiene actualmente. Ajeno a todo y a todos, Kiko Veneno ha hilado durante su extensísima carrera un discurso propio a medio camino entre el rock, el flamenco, la rumba y las historias costumbristas (sí, de esas que ahora se han puesto tan de moda). En Échate un cantecito (1992) encontramos tres conocidas muestras de todo esto: “Lobo López”, “Echo de menos” y “Joselito”, canciones que se han quedado para siempre en nuestra memoria. “Si tú no te das cuenta de lo que vale, el mundo es una tontería, si vas dejando que se escape lo que más querías”. ¿Recuerdas?

El bueno de Kiko tiene la capacidad de hacer fácil lo difícil, tanto en el aspecto musical como en el poético. Y sabe jugar muy bien sus cartas. Nos cuenta experiencias con las que todos nos podemos sentir identificados, pero con una frescura y originalidad que en el masivo panorama actual encontramos tan solo con cuentagotas.

En Échate un cantecito encontramos 10 auténticas perlas de la tragicomedia, de vivencias cotidianas que hemos vivido (o que tarde o temprano nos tocarán vivir) filtradas por la siempre alegre actitud de Kiko y por los excelentes músicos que le acompañan en esta fiesta al día a día. A las tres canciones citadas anteriormente, me gustaría añadir también las indispensables “El mensajero”, “Fuego” y “En un Mercedes blanco” como las más destacadas de un álbum que nunca te cansas de escuchar.

A riesgo de parecerme a Paulo Coelho te recomendaré que, si quieres ser un poco más feliz, escuches por lo menos una vez en tu vida este Échate un cantecito. Quién sabe, tal vez le harás caso al título del disco y tú también empezarás a cantar sin casi darte cuenta. Es más, apuesto lo que quieras a que así será.

Puedes escuchar Échate un cantecito de Kiko Veneno en Spotify.

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Hace unos meses nos llegó, de la mano de Unpictured (Barbara Cuerva, Alicia Rey) una copia de “Present”, el debut discográfico de Eliah Smith. Nos ha estado acompañando durante días, y no queríamos quedarnos sin presentarlos. Aunque acaben de publicar su primer disco y estén dando sus primeros conciertos no podemos decir que sean precisamente nuevos en esto. El dúo formado por Monica Klamburg y Edu Hernández -ex Gallygows, Peanut Pie (Sí, el grupo de Sidereal) y Parkinson D.C.- lleva años gestándose y construyéndose poco a poco, hasta que han decidido dar el paso adelante y acompañarse de una banda para plasmar en este disco la experiencia y las ideas acumuladas durante todo este tiempo. Tras sus primeros conciertos, estarán este viernes día 10 presentando su disco en la Sala Apolo a las 21h, con entrada libre. El sonido de Eliah Smith es folk-pop del que entra rápido y gusta al instante, con pinceladas de electrónica que lo dotan de una belleza especial. Aquí dentro te lo contamos mejor.

Parece que los años que han pasado desde que Monica y Edu empezaron a componer canciones han servido para que todo haya ido sedimentando hasta llegar a un punto de perfecta armonía. Los arreglos sencillos de guitarra suelen dar protagonismo a la voz femenina de Monica, que sabe sonar tanto al folk nostálgico de “Two Days Without You” como a la épica más pop y luminosa de “Open up Your Heart”. La buena producción – a cargo de Marc Barrachina (Facto, en Facto Delafé y las Flores Azules, ahora con Facto y Los Amigos del Norte) – y el sonido depurado es una constante en todo el disco, y a la estructura de canción folk-pop –que a veces nos lleva a Cálido Home – añade destellos electrónicos, en su justa medida, que hacen ganar enteros a canciones como la inicial “A Nice Day Out”. De la sencillez aparente hasta a la exuberancia de canciones como “Silver”, “Present” es un disco plenamente digerible y apto para salvarte una tarde cualquiera. No os los perdáis, este viernes y gratis.

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El día ha llegado. Tras un tiempo de espera que al final ha sido casi un año, el debut discográfico de John Talabot ya está en la calle. Primero fueron los maxis de “Sunshine”, del que hablamos en 2009 a raíz de su aparición en Pitchork, después llegaron los remixes para The XX o Blondes, la actuación con Delorean, el reconocimiento mundial en FACT, Pitchfork o la gente de Boiler Room, y en previo episodio a este disco, el EP “Families” que alzamos al #4 en la categoria estatal. Viene hablándose mucho de “ƒin” -con la “f” puesta en latín- pero ha sido hoy cuando de manera oficial ha salido a la venta. Lo han avisado los chicos de Discos Paradiso y lo han acompañado de un link a una extensa entrevista al chico tras John Talabot. Aunque ya es vox populi quien está “detrás” de él, vamos a seguir respetando su “alter ego” artístico. En la entrevista para Concepto Radio, habla del por qué de tanto tiempo esperando, del porqué de un título llamado “Fin” siendo el primero, visto como un despegue más como una llegada, y de la presión auto impuesta en la creación. También habla de la producción atemporal que ha perseguido,  de cómo sí ve una caducidad al sonido de, por ejemplo, SBTRKT, y ha dado algunas pistas de como será el live! junto a Pional. Más que recomenda lectura (un pelín extensa, eso sí). Y por otro lado, mientras terminábamos de leer esta entrevista, la prestigiosa revista online FACT, especializada en electrónica y uno de los medios “gurús” del género, ha publicado como cada lunes el FACT Mix de la semana, con el núnero 135 a cargo de John Talabot, empujando un poco más lo importante que es este lanzamiento. Aunque en la selección no hay nada de su material ni de su sello Hivern Discs.

“ƒin” vuelve a poner el listón alto, y deja en imposible catalogar el estilo de John Talabot. De canciones experimentales y pantanosas como “Oro y sangre” o la casi incómoda “H.O.R.S.E.” a otras donde la etiqueta Balearic sería lo más acertado, como en “Journeys” en la que Ekhi de Delorean pone la voz,  y es imposible no relacionar el sonido de ambas bandas, el single con feat. de Pional “Destiny” y por supuesto “Estiu” (“Verano”) con el título siendo una pista determinante. En otras, y en nuestro parecer, donde más acierta, es cuando las reminscencias del house primitivo y la influencia de ese balearic se dan la mano, y es cuando crea maravillas como “El Oeste” o nuestra favorita “When The Past Was Present”. Sea como sea, uno de los lanzamientos más importantes de electrónica a nivel mundial de este 2012, y no defrauda. John Talabot, de Barcelona.

Aaaaah “5Hits”, con lo que llegaste a ser, y ahora abandonada te tenemos. Por eso vas a volver por todo lo alto. Es la sección más agradecida, todo cabe, una excusa para recuperar la actualidad, para subrayar algún temazo que quede apartado o para destacar alguna promesa arriesgada. Esta vez para abrir paréntesis entre grandes confirmaciones y decepciones. Hablaremos de unos que han vuelto por todo lo alto, un grupo parelelo que parece tomar lo mejor del original, un debut que parece va a ser de los nombres a crecer, una chica en acústico que no es cansina y unos de nuestros favoritos de la temporada que irán tomando protagonismo próximamente. Al grano, 5 Hits impepinables tras el salto:

5.- Menudo comeback se han marcado The Shins. Tal como funcionan las cosas ahora, no sacar nada desde 2007 es allanar el terreno para el abandono absoluto y la indiferencia en tu regreso. Sin embargo un buen single adelanto puede destapar el polvo de las orejas y reconciliarte en un instante. “Simple Song” es todo menos una canción sin mucha gracia, humildes ellos. John Mercer recuperar la facilidad para que crear euforia rasgando una guitarra y conseguir los arreglos para darle toda la luz posible. Esperando el  “Port of Morrow” (sale en marzo) como si los días en que ellos y Death Cab For Cutie dominaban la tierra no hubiesen terminado.

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4.- Alicia Rey podría ser el caso típico de chica mona que cuelga versiones en Youtube,  y va acumulando comentarios, y los fans van creciendo. Esto de pasar en Estados Unidos ya lo tendríamos como “must” a seguir. Por aquí se suele tildar de próxima Russian Red, bueno, pues no. Alicia además de versionar con bastante encanto el “Flume” de Bon Iver, o el “1, 2, 3, 4″ de Fesit, se atreve con “All The Single Ladies” de Beyonce, “Excuses” de Morning Benders, o al instante que oye algo que le gusta se pone a ello, por eso puede sorprender ver “La Platja” de La Iaia o “Màgic” de Joan Colomo. Todas en su canal Youtube. Y no se queda ahí, lo mejor son sus 5 temas de su demo. Nos quedamos con “Our War” y su delicioso ukelele. No pasará desapercibida.

3.- Con Grupo de Expertos Solynieve parece que J se lo pasa mejor. Que le apetece estar allí tocando y cantando. Canciones de alto calibre hablando de la buena vida y de su querida Granada, que en esta formación tiene un papel destacado como principal influencia. En este último disco “El Eje de la Tierra“, la presencia de la faceta flamenca viene más marcada por un estilo cercano a “La Leyenda del Espacio” y “Cuatro Palos” de Los Planetas que no a sus primeras referencias en Grupo de Expertos, abiertamente sureñas. Este tema que abre el disco, puede quedar firmado como lo que todos hemos deseado siempre: J cantando claro con Los Planetas. “La reconquista de Graná”

2.- De Londres, cuatro jóvenes… pero sin aceleraciones. Todo lo contrario, Trailer Trash Tracys han hecho la evolución The Horrors hacia lo oscuro y trabajado. Progresiones lentas, capas de shoegaze sin abrasar y estética ochentera de syntes (foto en la entrada). Su debut definitivo se llama Ester es de 2012 y de momento el rebomborio hype llega más por parte de EEUU que no de las islas británicas. Hay que seguirlos.

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1.- Estamos encantados con el disco de Thee Brandy Hips. Una de esas bandas que lleva a la “sombra” unos añitos, desde la máxima independencia de la auto edición,  parece que ahora se  va haciendo justicia. Con “Raincoat”, sale el 7 de febrero, han hecho un disco que junta muchas de las influencias actuales llevándolas a su terreno y sacando un sonido muy y muy propio. Circulan dos temas de adelanto, “Dissolve your love in water“ y esta “In my room”, pero ya os podemos adelantas que no son las únicas así de redondas y efectivas, en ese disco  hay hits para arrasar el FIB o, apunten, el POP BAR el próximo viernes 17 de febrero.

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Ha aparecido de la nada, bien grande y sin dejar lugar a dudas: David Guetta @ FIB 2012, Benicàssim. Y saltándo de Twitter a Facebook, y leyéndolo otra vez: David Guetta @ FIB 2012, Benicàssim. No es broma, ni les han hackeado la cuenta. El quinto nombre tras Stone Roses, New Order, Florence y Noel, es el dj francés. Quién no ha bailado alguno de sus hits en una discoteca masiva en verano, o quién no acepta que su show puede ser impresionante, o que ya ha estado en Monegros, festival puramente electrónico, pero esto es muy hiriente. Esto duele porqué el FIB, aún siempre con la coletilla de “lo importante es la fiesta”, y a nosotros que nos gusta que así sea, siempre estaba en el limbo manteniendo una parte de bandas que resultaban de un gran interés. Esto es abiertamente a un público opuesto al del festival, de hecho comparte el anuncio con el Rock in Rio, y no creo que haya nadie con la pulsera de 2011 que esperase a David Guetta, ya no digamos a algún veterano que lo de Stone Roses le hiciese volver. Entrando en un terreno más delicado, tampoco creo que sea una locura decir que nos saldrían 10 nombres que alegrarían la parroquia con el desembolso que debe suponer esta actuación. Y todo esto se suma a que el anuncio ha sido horas después de ver como el Primavera Sound apuntalaba la serie media del festival con nombres tan exportables a Benicàssim (algunos ya han estado) como: The Rapture, Richard Hawley, Wavves, Japandroids, The Field, Rustie, Girls Names, Black Lips o Rufus Wainwright. ¿Qué prisa traía anunciarlo hoy, ahora, con esa lista de 80 bandas y el “chupad rueda” aún coleteando? Mañana habrás más confirmaciones para el FIB, pero esto nos ha dejado helados. Congelados. No sabemos a que santo rezar.

Miles Kane. Le ha costado tres proyectos y tantos discos, pero ya es un nombre por sí solo. Y muy valorado. Empezó a saberse de él con la aparición de The Last Shadow Puppets, a dúo con Alex Turner, y durante un tiempo, la sombra que le tapaba. Eran el grupo del de Arctic Monkeys y su amigo. Pero con las buenas maneras que se intuían en ese fantástico debut “The Age of the Understatement”, se ganaron a la critica con referencias a Scott Walker, y acercaron al público joven a un pop pausado y más trabajado. Ahí queda este directo en el Jool’s: ”My mistakes were made for you life”. [Se espera para 2012 el segundo disco de este interesantísmo proyecto.] Fue en ese mismo año, 2008, cuando también salió el primer disco de la banda que lideraba, The Rascals. Entonces conocida como el grupo del otro Shadow Puppets, y la verdad, con este el viento no sopló a favor. A pesar de que, visto ahora con perspectiva, su propuesta es un buen punto medio entre el pop lírico del formato dúo, y las píldoras aceleradas que los Arctic Monkeys disparaban cada noche en los clubs con más nombre de Reino Unido. “Rascalize”, el título del disco, contenía buenas gemas como “I’d be lying to you” pero nunca tuvieron el fervor del público que se esperaba de un conjunto “indie” de 3 chicos guapos,  y tan solo un año después y un silencioso EP, el grupo se disolvía.

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Hasta que llega 2011 y Miles Kane publica “The Colour of the trap“. A ojos de los adolescentes que van a festivales, es visto como un  artista de culto, de chico interesante curtido en mil batallas y con actitud de no importarle el éxito a cosechar. Sin embargo, ha publico un disco que con el boca-oreja ha llegado a ser masivo. Con Sold Outs en todos sus conciertos en el Reino Unido (Sí, en Birmingham también). Pero es que no había otra posibilidad: 12 canciones, menos de 40 minutos y buen balance de efervescencia y madurez. “Come closer” es el tema-HIT, con el que abre el disco, estribillo de una vez y para siempre, o la maravillosa de pop grandilocuente ”Quicksand” con unos “paraparapa” irresitibles, o el otro-HIT de sonar en la BBC1 cada día “Rearrange” (video). Y por otro lado, esas baladas de crooner que va en metro como “My fantasy” o “Happenstence”, con intercambio de palabras con la modelo francesa Clémence Poésy donde la sensualidad se palpa en los 3 minutos del tema. En definitiva, parece que Miles saca lo mejor de sí, ha sabido recolectar lo sembrado en cada uno de sus anteriores proyectos y ha conseguido sacar brillo a esas perlas que se intuían. De momento ya tiene el reconocimiento en UK, mañana actua de telonero de Arctic Monkeys, siempre cerca de su inseprable Alex Turner, y también está confirmado para el próximo FIB. Creemos que va a gustar mucho por aquí. Lo merece y lo vale.

Dos de las bandas que más están dando de hablar del underground barcelonés juntas en un Con cierto contexto por todo lo alto. El segundo de 2012, tras el éxito de público y el triunfo en lo musical de  Oso y Miguel Díaz en La Milagrossa el pasado 15 de enero. Aprovechamos para dar las gracias de nuevo a los que vinisteis,  al buen trato del bar y la facilidad de las bandas. El próximo concierto de Oso y Miguel Díaz será la presentación de “Sealand”, en Gavá, con la presencia de la coral Tornaveu en algunos temas, y es gratis. Más que recomendado.

Vamos pues, con las dos bandas que nos harán vibrar el próximo jueves 2 de febrero. Nos hace especial ilusión por el estatus que ambas tienen ya en la ciudad, y es que son ni más ni menos que Naturalesa Salvatge y The Waterparties. De Naturalesa Salvatge, os hemos hablado ya en anteriores veces, alrededor de octubre, cuando descubrimos su EP, “Una llum infinita”,  y cuando hicimos la recopilación de lo mejor del año, que estuvieron en el puesto #7. Su revisión del sonido The Feelies y Real Estate, impregnando su personalidad y sutileza les está colocando en uno de los grupos más seguidos, tanto para los amantes del indie clásico, como de los que buscan buenas melodías y estribillos. Será un lujo verlos a todo color. Por su parte, The Waterparties, el alias del ex cantante de los seminales noventeros Half Foot Outside, y ahora en la afilada guitarra de Me & The Bees, Carlotto da rienda suelta a sus impulsos tras los riffs. Canciones en las que los estribillos los canta siempre la guitarra. Canciones que se hacen inborrables aún siendo tan raras en forma, como “80′s dream“  o “Gambol” si hablamos del EP ( de 10 canciones) “Domestic Voodoo” o en el caso del #13 en la lista de EP’s estatales, “Mysterious Recordings“  en la que la improvisación de “It’s an instrumental song” y “Vacation” parecen esperar la voz de Stephen Malkmus. De momento se prodiga muy poco en los directos, así que será todo un privilegio verlo en este Con cierto contexto.

El venue. La sala Underground. La renacida sala al final de paseo de Gràcia, y que ya ha dado cobijo a conciertos de La Fonoteca Barcelona, de The Free Fall Band o un showcase de AMIDISCS. Buena sonorización, céntrica, con parada de metro de Diagonal de la L3 y de Ferrocaril en la de Gràcia. Un buen espacio para guitarras eléctricas. La dirección exacta es Calle Granada del Penedés 19,  08006 Barcelona. Enlace a Google Maps.

El cartel. Esta vez nos hemos salido de nuestros 3 diseñadores habituales, que como bien sabéis son Blanca Viñas, Sergi Marot y Marc Miró. La preciosa obra maestra a acuarela que preside la entrada es de Arnau Sanz, el mismo que canta en Naturalesa Salvatge, el mismo ilustrador de La Fôret Noire, el mismo que está detrás de Hombre Bueno Discos. ¿Buscáis un ARTISTA?, así en mayúsculas, no busquéis más, es él. Nos ha regalado esta pieza a guardar.

Esto es todo, solo nos falta recapitular y que vengáis a gozarlo. Naturalesa Salvatge+ The Waterparties, en la sala Underground el jueves 2 de febrero a partir de las 20:30H. 3€.

¡Estáis todos invitados!

Evento en Facebook para que nos ayudeis con la difusión (las gracias van adelantadas).

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Cita imprescindible para este blog. El número 1 de 2011 en directo y en sala, donde se suele decir que se saca más jugo a un concierto. Telonero de lujo y en sábado. Los ingredientes listos para una noche en la que las expectativas se cumplieron y brindaron sorpresas. Entramos en detalles:

Con Porcelain Draft ya en el escenario, entramos al HMV Insitute, esta vez en la sala grande, la misma en la que vimos a My Morning Jacket meses atrás o vieron a Miles Kane mientras bailábamos con Young Montana?. Con su EP “Fountain’s Head” como principal baza de su actuación, la puesta en directo deja un sabor de boca un poco amargo. Se presenta él solo, con una guitarra y una caja en la que va soltando las bases y los loops. Recordando un poco a Atlas Sound, experimentando con capas y líneas desdibujadas como en “Amateur’s Feelings” o en la distorsionada “This is not our home”, y son en estas en las que en concierto pierden fuelle. En otras, con acordes de guitarra bien claros, como con la que cerró el concierto: “Everything From Your Hands“, son más fieles a la producción y el paso al directo, con algunas variaciones les dan una buena distinción. Pero el ir y venir del publico que iba entrando hasta el “sold out” final, hizo que el concierto quedase un poco empañado, pero fue una buena toma de contacto con el artista de origen rumano, Mauro Remmidi.

Luces apagadas, y primeras notas de “Intro“. Volumen atronador, luces cegadoras y la silueta de un espécimen de terciopelo con cabeza alienígena que se dibuja en el escenario. Crescendo que eriza el bello y se esclarece la imagen del single de “Mignight City” y disfraz de la portada. Gritos y manos al cielo para dar la bienvenida a la banda que aparecen cuando la “mascota” se retira. Anthony Gonzalez copando el centro con algo parecido a una mesa de control de volumen, guitarra al cuello, a su izquierda bajista hiperactivo que también controla bases, batería a la parte trasera y su fidel Loic Maurin compartiendo el papel de protagonista.

Tras Intro, que dejó el listón en lo más alto, ejecutada a la perfección y sin echar de menos a Zola Jesus en ningún momento por la presencia de una Maurin espectacular. Cuando parecía que el protagonismo seria para este álbum, M83 se fueron hasta 2005 para rescatar “Teen Angst” y olvidar la épica para entrar en la faceta más pistera, que marcaría el concierto. Abiertamente disco y techno, la sutileza de los coros desaparecida para dar músculo y nervio. Segunda canción y la sala botando al unísono. Y sin parar para respirar, otra vista al pasado “Kim & Jessie” del anterior, “Saturdays = Youth” (2008). Esta vez, el pasar de largo del “Hurry Up…” no sentó tan bien al ritmo del concierto, que se vio un poco frenado, y la sutileza que dejan a un lado es la base de este tema, aunque los coros en cuando entonaron “…somebody lurks on shadows…” sí que sonaron a glória.

El concierto intercaló en todo momento estas grandes dosis de baile 4×4, y las más ochenteras, con altas dosis de grandilocuencia más acurada. “Steve McQueen” evidenció el gran hit que es, y como gusta a la gente hacer “Ooooh”, “Claudia Lewis” también dio fe de ello, o una ciertamente bien acelerada “Reunion”, que por muy bien que sonase la sala, las voces del público ganaron el pulso en cada momento que se entregó en cuerpo y alma llevando en volandas al grupo. Por otro lado, “Wait” si desprendió la tensión y emoción del disco, pero no tuvieron el silencio que debería, o el que fue uno de los grandes momentos del concierto: “We own the sky“. Con una percusión potentísima, y una voz femenina desgarradora y apabullante. El show de luces, también de una importancia capital en un concierto de estas características, fue de diez. Con fluorescentes verticales que cambiaban de color y un fondo de escenario representando una noche estrellada.

Para antes del “bis”, pero, avisaron de que era el momento de desgastarse por completo, y efectivamente, “Midnight City” y sus 20 primeros segundos desataron la locura reventando todo listón o medidor. De primeras filas a últimas y de laterales a los balcones del primer piso, todo eran esqueletos en danza. La entrada del saxo en la parte final, fue la aceleración final de un sprint de 100 metros lisos. Ovación y rostros sudados que se congratulaban de lo visto. Para los bises, volvieron a la parte de improvisación electrónica, y en las que la banda parece disfrutar más en directo, así reversionaron “Guitar & Hearts” del “Before The Dawn Heal Us”, el entiéndase como interludio “Skin of the night” y para cerrar, la mutación en rave de esa otra cara de M83, con una eterna “Coleurs” de la que nadie pudo resistirse a entrar en su espiral.

La banda de Gonzalez trae un show en que todo el mundo baila y se lleva un gran recuerdo entre sudores de una banda que se vacía y un color impecable, pero en el que la faceta más trabajada y sentimental, se queda en el banquillo. Esto, y la corta duración, apenas una hora y cuarto, son los dos puntos que restan la nota de Excelente que debería ser un concierto de M83 en un sábado noche. Que por cierto, termina así:

Olvida la imagen que tienes de los Black Eyed Peas actuales. Olvida lo mal que te cae Will.I.Am. Deja los “Boom Boom Pow” y los “I Gotta Feeling” a un lado. Entonces, solo entonces, empieza a escuchar Elephunk (2003), el álbum que les encumbró como uno de los grupos más exitosos del siglo XXI, con millones de discos vendidos alrededor del mundo.

Antes de convertirse en lo que son ahora (es decir, en un grupo sin ningún tipo de gracia), The Black Eyed Peas demostraron que la música revienta-pistas podía ser de lo más decente. Elephunk, el tercer disco de su carrera -primero con Fergie-, fue una bocanada de aire fresco, gracias a su desacomplejada propuesta llena de funk, hip hop y ritmos latinos. De acuerdo, efectivamente no supusieron ninguna revolución musical, pero tampoco parece que fuera su intención. Lo suyo siempre ha sido crear canciones para levantar a la gente de sus sillas.

Si decides darle una oportunidad a Elephunk, te encontrarás con alguna que otra sorpresa. Para comenzar, la inicial “Hands Up” y su irresistible base rítmica: una auténtica declaración de intenciones, un “empieza la fiesta” con todas las de la ley. El nivel sube enteros en “Labor Day (It’s a Holiday)”, pero donde llega el primer bombazo es en “Let’s Get Retarded” y en su inconfundible línea de bajo. Un hit que podrían haber firmado los mismísimos OutKast y que seguro recordarás.

“Hey Mama” no se queda atrás, mientras que “Shut Up” es el tema por el que Beyoncé habría pagado (con lo bueno y lo malo que eso significa). “Smells Like Funk” promete mucho más de lo que finalmente ofrece y “Latin Girls” y “Sexy” son, sin lugar a dudas, las canciones menos inspiradas del álbum. Sáltalas rápido, porque “Fly Away” te espera con sus coros, su contagiosa base y su gran estribillo.

“The Boogie That Be” también es completamente prescindible (no, Elephunk no es un disco perfecto), pero la recta final del álbum vuelve a situarlo en lo más alto. “The Apl Song” es un medio tiempo que ayuda a digerir tanto ritmo acelerado y en “Anxiety” se dejan notar unos olvidados Papa Roach (tengo que hablar algún día del nu-metal por aquí). “Where Is The Love?” -con Justin Timberlake- fue todo un superventas mundial, dejando el camino libre para que The Black Eyed Peas recolectaran legiones de fans y se convirtieran en uno de los fenómenos comerciales más importantes de la historia musical reciente.

Puedes escuchar Elephunk de The Black Eyed Peas en Spotify.

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